Exploration de la relation entre art et science dans une galerie d’art de Los Angeles
Sur York Boulevard à Los Angeles, un trou noir flou se trouve sur un mur sombre, accompagné uniquement d’un casque diffusant en boucle les échos des collisions de ses semblables. Nous sommes en présence de la célèbre image du trou noir supermassif central de notre galaxie, une scène familière qui a fait le tour du monde au fil des années. Je suis prêt à parier que vous l’avez déjà vue. Les journalistes (y compris moi-même) se sont extasiés devant cette image, en l’associant à des articles palpitants titrés Première image du trou noir de la Voie lactée ou Le centre de notre galaxie révélé. Les universités l’ont utilisée dans leurs communiqués de presse sur le réseau mondial de radiotélescopes, et les scientifiques l’ont publiée dans des études pointues en l’appelant affectueusement par son apparence : un beignet orange flou. Cependant, à la galerie OXY ARTS de Los Angeles, ce portrait abstrus de Sagittarius A* semble un peu différent. Isolé sur son mur attitré, ce trou noir d’une masse de 4,3 millions de soleils occupe un espace en dehors des limites astrophysiques habituelles, à la fois dans le cosmos et dans le milieu universitaire, pour se prêter aux critiques et à la réflexion artistique. Je dois admettre que, lors de ma première rencontre avec cette œuvre, j’ai d’abord été intrigué par l’exposition d’une image scientifique brute de l’univers dans une galerie d’art, surtout lorsque les artistes présents dans la galerie n’ont pas participé à sa création. Cela semblait creux, voire légèrement prétentieux. Mais, après un certain temps, j’ai changé d’avis. La zone intentionnellement vide autour du cadre de Sgr A* semblait réellement mettre en valeur son poids conceptuel et visuel d’une manière que son arrière-plan habituel en ligne, avec ses barres de recherche et ses onglets Google Chrome, n’avait jamais réussi à faire pour moi. L’œuvre en elle-même n’était pas révolutionnaire à mon avis, mais le choix de l’exposer dans une galerie pourrait être considéré comme révolutionnaire. Cela m’a amené à me demander si les domaines de l’art et de la science tendent à s’interpénétrer de manière constructive ou destructive, ou s’ils sont en réalité la même chose dès le départ. Par exemple, l’individualité est un aspect extrêmement intrinsèque à l’art, mais pas à la science. Une véritable œuvre d’art est souvent considérée comme irremplaçable, tandis qu’une conclusion scientifique idéale repose sur la réplicabilité pour se prouver comme une vérité universelle. Cependant, l’un des exemples les plus connus d’une personne ayant chanté à la fois les louanges de l’art et de la science est Léonard de Vinci, dont les chefs-d’œuvre sont spécifiquement basés sur des principes d’anatomie, de physique et de mathématiques. Serait-il juste de se demander laquelle de ces deux disciplines est apparue en premier dans l’esprit de De Vinci ? Laquelle appelait l’autre de manière proactive ? Pour être honnête, je ne sais pas si j’ai tiré des conclusions de cette réflexion. Mais même si c’était le cas, je pense que c’est intéressant en soi. Le peintre français Marcel Duchamp a déclaré dans son discours de 1957 sur la critique artistique que l’acte créatif n’est pas seulement réalisé par l’artiste lui-même ; le spectateur entre en contact avec le monde extérieur en déchiffrant et en interprétant ses qualités intérieures, et ainsi ajoute sa contribution à l’acte créatif. Cela devient encore plus pertinent lorsque l’on réfléchit à la raison pour laquelle je regardais cette exposition de Sgr A* en premier lieu. Au cours de six jours en septembre de l’année dernière, l’événement PST: Art and Science Collide du musée Getty m’a invité à me rendre dans une trentaine de galeries à travers Los Angeles pour absorber les résultats d’un défi lancé à divers artistes et conservateurs d’art : créer des expositions qui jonglent entre l’art et la science. Parmi les nombreux journalistes d’art, j’étais l’un des seuls représentants des médias scientifiques, voire peut-être le seul, à scruter méticuleusement les toiles et les sculptures à la recherche de traces de découvertes contemporaines et de théories fondamentales que j’ai l’habitude de lire en noir et blanc. Autrement dit, je suis arrivé lors de ce voyage en tant qu’étranger. Presque immédiatement, dès le premier jour, mon statut de non-journaliste d’art est devenu évident, et en vérité, cela a renforcé le syndrome de l’imposteur que je ressens généralement quelle que soit l’occasion. Je n’avais pas les connaissances nécessaires pour parler des nouveaux artistes en vogue, je ne connaissais pas les dynamiques précises des bureaucraties des galeries d’art, et plus d’une fois, j’ai dû demander maladroitement à l’un de mes nouveaux amis quelle était la renommée de la personne à laquelle je venais de parler. Je n’avais tout simplement pas l’expertise nécessaire pour juger l’art de manière objective, et en réalité, je trouve le concept de la critique artistique très complexe et difficile à pénétrer. Mais ce que j’avais, c’était ma connaissance de la science. Ainsi, je me suis mis à chercher des traces d’équations dans les œuvres d’art que nous avons vues, ne serait-ce que pour avoir quelque chose à retenir. Je l’ai traité comme une conférence scientifique, et c’est là que j’ai commencé à réfléchir aux idées de Duchamp. Duchamp s’interrogeait sur un phénomène insaisissable selon lequel un spectateur réagit à une œuvre malgré le fait que l’artiste n’ait techniquement aucun rôle dans cette réaction. Ce phénomène est comparable à un transfert de l’artiste au spectateur sous la forme d’une osmose esthétique se produisant à travers la matière inerte, telle que le pigment, le piano ou le marbre, dit-il, et je pense que ce transfert dépend largement des voies mentales que l’on est déjà disposé à emprunter. Ce concept me rappelle une scène de la série télévisée Mad Men dans laquelle quelqu’un achète une œuvre d’art incroyablement chère mais ne permet à personne de la voir dans son lieu de travail. Finalement, quelques personnages parviennent à l’apercevoir et la trouvent simplement être une toile ennuyeusement unie avec des taches de couleur rouge abstraites. Ils commencent immédiatement à réagir car ils s’attendaient à quelque chose de plus conventionnellement beau. Mais ensuite, l’un d’entre eux, Ken, réfléchit et se dit que peut-être la réaction elle-même est l’objectif. Quand on y regarde, on ressent quelque chose, déclare-t-il. Sans être dans la pièce, l’artiste a réussi à provoquer une émotion et à susciter une conversation sur l’esthétique. Avec ces expositions d’art scientifique, il semblait que les œuvres nécessitaient intrinsèquement des réactions à la fois artistiques et scientifiques de la part des spectateurs pour leur donner tout leur potentiel.
